今天是三八婦女節(jié)。在藝術(shù)史上，女性藝術(shù)家為了獲得話語權(quán)與平等地位進(jìn)行了漫長(zhǎng)的斗爭(zhēng)。這一過程仍在繼續(xù)，但是近年來，女性藝術(shù)家的創(chuàng)作正在受到越來越多的關(guān)注。恰逢三八婦女節(jié)，《澎湃新聞·藝術(shù)評(píng)論》整理了2021年到2022年，女性藝術(shù)家在世界各大重要美術(shù)館與博物館中舉行的展覽。
其中，有布爾喬亞、妮基·桑法勒、歐姬芙等在世時(shí)已經(jīng)有所名氣的藝術(shù)家，更多的是大器晚成、甚至在世時(shí)因?yàn)榉N種原因而鮮為人知的名字，如今年2月剛剛?cè)ナ赖?07歲古巴藝術(shù)家卡門·埃雷拉，以及去世后40多年才被發(fā)現(xiàn)的抽象藝術(shù)最早的創(chuàng)作者之一希爾瑪·阿芙·克林特。
激進(jìn)的女性藝術(shù)小組“游擊隊(duì)女孩”(Guerilla Girls)曾在1985年時(shí)提出：“去年究竟有多少女性在紐約市的各大博物館舉辦了個(gè)展?答案是，MoMA只有一位，而古根海姆、大都會(huì)和惠特尼則為零。”
游擊隊(duì)女孩 《去年有多少女性藝術(shù)家在紐約的美術(shù)館舉辦個(gè)展？》, How Many Women had One Person Exhibitions at NYC Museums Last Year ? , 1985
近40年后，這一現(xiàn)象無疑有所改變。近年來，全球藝術(shù)界確實(shí)更多地將目光聚焦到女性藝術(shù)家和女性藝術(shù)創(chuàng)作上。女性藝術(shù)家在美術(shù)館和畫廊等藝術(shù)機(jī)構(gòu)的曝光愈加頻繁，據(jù)2020年3月6日公布的一份環(huán)球藝術(shù)市場(chǎng)報(bào)告中統(tǒng)計(jì)：“2019年，在藝術(shù)二級(jí)市場(chǎng)上，女性藏家的份額達(dá)36%，在畫廊中，展出的女性藝術(shù)家數(shù)量占總展出藝術(shù)家總數(shù)的44%。”而在過去的2021年，據(jù)環(huán)球藝術(shù)市場(chǎng)報(bào)告的統(tǒng)計(jì)，女性藝術(shù)家在美術(shù)館和畫廊展出總數(shù)量已經(jīng)上升了2個(gè)百分點(diǎn)。
在今年的威尼斯國(guó)際藝術(shù)雙年展上，塞西莉亞·阿萊瑪尼（Cecilia Alemani）成為這一雙年展歷史上第5位女性總策展人。同時(shí)，在127年的歷史中，此次雙年展首次包括大多數(shù)女性和多樣性別的藝術(shù)家，在參展的213位藝術(shù)家中，僅有21位是男性。這個(gè)選擇反映了一個(gè)充滿創(chuàng)造性醞釀的國(guó)際藝術(shù)場(chǎng)景，也反映了“對(duì)男性在藝術(shù)史和當(dāng)代文化史上中心地位的深思熟慮的重新思考”。參展的女性藝術(shù)家包括芭芭拉·克魯格（Barbara Kruger）、南·戈?duì)柖。∟an Goldin）、露易絲·奈弗遜（Louise Nevelson）、露絲·阿澤（Ruth Asawa），還有首位代表美國(guó)參加其國(guó)家館的黑人女性藝術(shù)家西蒙·利（Simone Leigh）?！斑@個(gè)展覽發(fā)生在意大利，而不是在紐約，性別方面的情況是不同的，”阿萊瑪尼指出，“我意識(shí)到，展覽不會(huì)改變什么，但它可以具有象征價(jià)值。如果回溯威尼斯雙年展127年的歷史，女性藝術(shù)家參與的比例非常低，我想給過去被壓制的聲音留下空間?！?/p>
而在過去的2021年和已經(jīng)開始的2022年中，也有不少重要的女性藝術(shù)家作品在全球各大美術(shù)館中展出。這些展覽在一定程度上回應(yīng)了1985年“游擊隊(duì)女孩”提出的問題——如今，越來越多的大型的美術(shù)館和博物館，開始系統(tǒng)地研究和關(guān)注女性藝術(shù)家的創(chuàng)作。
卡門·埃雷拉
卡門·埃雷拉（Carmen Herrera）
今年2月，107歲的古巴藝術(shù)家卡門·埃雷拉（Carmen Herrera）在自己家中去世。在她去世之前，埃雷拉最著名的身份便是“在世最年長(zhǎng)的女性藝術(shù)家”。
埃雷拉把自己繪畫中的直線和簡(jiǎn)潔的形式感歸功于大學(xué)時(shí)期學(xué)習(xí)建筑的經(jīng)歷。她從上世紀(jì)40年代開始進(jìn)行藝術(shù)創(chuàng)作探索，到了50年代，埃雷拉開始在紐約接受系統(tǒng)的藝術(shù)訓(xùn)練。在巴黎逗留的幾年中，她深入了解了馬列維奇和蒙德里安，以及他們那大膽的顏色和幾何形狀構(gòu)。在前人成熟風(fēng)格的影響下，埃雷拉開始了她長(zhǎng)達(dá)70年的幾何繪畫創(chuàng)作。雖然埃雷拉的丈夫一直支持著她的繪畫創(chuàng)作，但畫廊的經(jīng)銷商們卻一直拒絕她參加展覽。
《藍(lán)和白線》（Carmen Herrera Blue with White Line）卡門·埃雷拉 1964
埃雷拉完全投身繪畫事業(yè)60余年后，在她89歲高齡時(shí)才被發(fā)掘。2004年埃雷拉終于賣出了自己的第一幅作品。同年年底，紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館收藏了她的幾幅作品。之后著名的利森畫廊(Lisson Gallery)選擇了埃雷拉，2017年，惠特尼美術(shù)館為埃雷拉舉辦了名為“卡門·埃雷拉：視線”的大型回顧展。
《橙與紅》（Orange & Red）卡門·埃雷拉 1989
當(dāng)這位具有強(qiáng)烈個(gè)人藝術(shù)特色的百歲老人逐漸為世人所知之后，很多人都在討論她早年“懷才不遇”的話題，但埃雷拉自己卻認(rèn)為這是一件十分趣味性的事，而且這也是在恰好的時(shí)間，在恰當(dāng)?shù)牡胤疆a(chǎn)生的，她更相信這是命運(yùn)的安排，而不是她刻意而為之的。
《黑與白》（Black and White） 卡門·埃雷拉 1987
2020年10月21日至2021年4月25日，休斯敦美術(shù)館（Museum of Fine Arts）為卡門·埃雷拉舉辦了大規(guī)模的個(gè)人回顧展——“卡門·埃雷拉：構(gòu)建平面”（Carmen Herrera: Structuring Surfaces）。 2021年，埃雷拉的雕塑《綠色結(jié)構(gòu)》（(Estructura Verde）在洛杉磯郡立藝術(shù)博物館選的近期繪畫為位于東岸的空間揭幕。今年2月，埃雷拉的雕塑《綠色結(jié)構(gòu)》(Estructura Verde) 剛剛在洛杉磯郡立藝術(shù)博物館結(jié)束展覽。
《Blanco y Verde》 卡門·埃雷拉 1959
妮基·桑法勒
妮基·桑法勒（Niki de Saint Phalle）
2021年3月11日至2021年9月6日，MoMA為法裔美國(guó)女藝術(shù)家妮基·桑法勒（Niki de Saint Phalle）舉辦了大型的回顧展，共展出超過100件妮基創(chuàng)作的不同類型的作品，包括繪畫、雕塑、建筑手稿與模型等等，展現(xiàn)她對(duì)社會(huì)與政治問題的關(guān)注，回顧她的創(chuàng)作發(fā)展歷程。
圣法勒 《塔羅花園》（Tarot Garden），Niki de Saint Phalle
圣法勒 《塔羅花園》（Tarot Garden），Niki de Saint Phalle
妮基·桑法勒（1930—2002）出生于法國(guó)巴黎，1933年跟隨父母定居美國(guó)。成年后才開始學(xué)習(xí)繪畫，創(chuàng)作風(fēng)格受到西班牙建筑師高迪的影響。妮基的創(chuàng)作形式涵蓋拼貼、雕塑、版畫、電影等多種媒介，重點(diǎn)關(guān)注女權(quán)、氣候、艾滋病等具有社會(huì)性議題。1986年，她在德國(guó)留學(xué)期間創(chuàng)作并出版了插畫書《握手不會(huì)感染艾滋病》，致力于減輕社會(huì)對(duì)艾滋病的誤解與歧視。
桑法勒 《握手不會(huì)感染艾滋病》書籍封面，Niki de Saint Phalle，1986年
本次回顧展的亮點(diǎn)之一，是妮基·桑法勒創(chuàng)作的大型戶外雕塑作品“塔羅花園”（Tarot Garden），這組作品由超過15件大型雕塑組成，歷時(shí)20年制作完成，同時(shí)還展出了與“塔羅花園”相關(guān)的攝影作品、手稿、繪畫以及雕塑模型，以此呈現(xiàn)妮基創(chuàng)作的豐富性過程。
圣法勒 《如今知曉的事物曾經(jīng)只是想象》（What is now known was once only imagined），Niki de Saint Phalle，1979年
圣法勒 《塔羅花園》（Tarot Garden），Niki de Saint Phalle
愛麗絲·尼爾
愛麗絲·尼爾（Alice Neel）
2021年3月22日至8月1日，愛麗絲·尼爾（Alice Neel, 1900—1984）的大型回顧展“以人為先”（People Come First）在紐約大都會(huì)藝術(shù)博物館開幕，這是尼爾二十年來在紐約最大型的回顧展。
愛麗絲·尼爾（Alice Neel） 《第九大道車站》，1935年 布面油畫 61 x 76.2 厘米
尼爾長(zhǎng)年居于紐約，這座城市成為了她最忠誠(chéng)的創(chuàng)作主題。她全部作品都記錄著紐約街道上的生活鬧劇和建筑的平凡之美，并通過繪畫展現(xiàn)出這座城市的多元、堅(jiān)韌和對(duì)外來者的熱情包容等。
愛麗絲·尼爾（Alice Neel） 《杰弗里·亨德里克斯和布萊恩》，1978年 布面油畫 111.8 x 86.4 厘米
愛麗絲·尼爾（Alice Neel） 《母親與孩子（南希和奧利維亞）》，1982年 彩色石板印刷 66 x 61 厘米
“以人為先”將尼爾視為二十世紀(jì)歷史上最重要、最激進(jìn)的畫家之一。在這次展覽中，大都會(huì)博物館本展出了近百件尼爾的繪畫作品：反對(duì)法西斯主義和種族歧視的社會(huì)圖像，描繪大蕭條時(shí)期受難者的肖像相映一堂；從藝術(shù)家在紐約哈林區(qū)的鄰居、政治領(lǐng)導(dǎo)人，到酷兒藝術(shù)家、雜居紐約的外地人，尼爾的繪畫是社會(huì)的群像。是次展覽也強(qiáng)調(diào)了尼爾從1930年而來的水彩與油畫情色創(chuàng)作。她對(duì)“母親”這一命題的描繪，和她筆下的裸體人像（包括明顯懷孕的裸體形態(tài)），其中的坦誠(chéng)與反叛是西方藝術(shù)史上前所未有的。
愛麗絲·尼爾（Alice Neel） 《西班牙家庭》，1943年 布面油畫 86.4 x 71.1 厘米
而在2022年秋季，巴黎蓬皮杜藝術(shù)中心還將為尼爾舉辦另一場(chǎng)大型回顧展“投注的目光”（Un regard engagé）。
愛麗絲·尼爾（Alice Neel） 《在108街的多米尼克男孩》，1955年 布面油畫 106.4 x 121.9 厘米
喬治亞·歐姬芙
喬治亞·歐姬芙（Georgia O'Keeffe，1887—1986）
喬治亞·歐姬芙（Georgia O'Keeffe，1887-1986）是美國(guó)近代畫女性大師，被稱評(píng)論界成為“美國(guó)現(xiàn)代藝術(shù)之母”，她的光環(huán)遠(yuǎn)超過了其它同年代的畫家。
喬治亞·歐姬芙 1936年作品《紅色山崗和白云》（red hills with pedernal white clouds）
2021年4月20日至8月8日，蒂森·博爾內(nèi)米薩博物館舉辦了喬治亞·歐姬芙在西班牙的第一次大型回顧展。通過約90件作品不同時(shí)期的作品，較為全面地展示了歐姬芙的職業(yè)藝術(shù)生涯。
喬治亞·歐姬芙 1921年作品《藍(lán)色和綠色的音樂》（Blue and Green Music）
喬治亞·歐姬芙 1926年作品《黑色鳶尾花》（Black iris III），現(xiàn)藏于美國(guó)紐約大都會(huì)美術(shù)館
在歐姬芙一生的創(chuàng)作中，最著名的是她筆下的花卉系列作品。首批花卉系列作品在1925年于紐約展出時(shí)，將歐姬芙推到繪畫生涯中的第一個(gè)高峰，也奠定她作為1920年代美國(guó)代表性畫家的地位。這期間的代表作《曼陀羅草，白花No.1》，后來曾在2014年紐約蘇富比的拍賣上以4440萬美元（約合2.89億元人民幣）成交，成為拍賣場(chǎng)上女性藝術(shù)家價(jià)格最高的作品。
喬治亞·歐姬芙 1928年作品《兩只粉紅色的浪漫海芋》（Two Calla Lillies on Pink）
歐姬芙筆下的花們從來不含苞欲放，故作姿態(tài)，而是在靜默中全然地綻放。她簡(jiǎn)單而大膽的構(gòu)圖，往往比一般描述詳細(xì)的畫作更能吸引人的注意，其不同顏色的花的細(xì)部顯得精妙流暢，收放自如，尤其是紅色和黃色的互補(bǔ)顯得熱烈而富有生機(jī)。
喬治亞·歐姬芙 1939年作品《木槿花與緬梔花》（Hibiscus with Plumeria）
喬治亞·歐姬芙創(chuàng)作于1932年的《曼陀羅/白花一號(hào)》（Jimson Weed/White Flower No 1）
希爾瑪·阿芙·克林特
希爾瑪·阿芙·克林特（Hilma af Klint）
瑞典籍藝術(shù)家希爾瑪·阿芙·克林特（Hilma af Klint，1862—1944）是當(dāng)代藝術(shù)界最早創(chuàng)作抽象藝術(shù)的畫家之一，部分作品的創(chuàng)作時(shí)間早于俄羅斯畫家康定斯基、馬列維奇和荷蘭畫家皮特·蒙德里安等抽象藝術(shù)的初期代表藝術(shù)家。她的藝術(shù)創(chuàng)作受到唯心主義、通神說、人智學(xué)的影響，作品主要建立在精神意識(shí)上，融合了幾何圖形和裝飾性符號(hào)，代表作品包括與靈修團(tuán)體“The Five”合作完成的實(shí)驗(yàn)性繪畫、“神殿”系列（1906-1915）、“The Ten Largest”系列等。
希爾瑪·阿芙·克林特作品
作為一個(gè)深入研究唯心論、科學(xué)新發(fā)展和自然世界的藝術(shù)家。在此之前，沒有人創(chuàng)作過像她這樣的畫作：如此巨大的規(guī)模，如此耀眼的色彩組合，如此神秘的符號(hào)和超凡脫俗的形狀。在一個(gè)女性創(chuàng)作自由有限的時(shí)代，她的繪畫成為她非凡智慧、精神追求和開創(chuàng)性藝術(shù)視野的宣泄出口。1944年，克林特去世時(shí)共留下超過1300幅畫作和約2.6萬頁筆記。她在遺囑中寫道，考慮到自己的作品可能無法被當(dāng)時(shí)的人們所理解，因此希望至少在數(shù)十年內(nèi)不要公開她的畫作。
希爾瑪·阿芙·克林特作品
希爾瑪·阿芙·克林特作品
直到1986年，即在她去世40多年后，克林特的作品才第一次公諸于世。首先是洛杉磯縣藝術(shù)博物館(Los Angeles County Museum of Art)在一次群展中展示了她的畫作，從那之后，她充滿女性符號(hào)和絢麗色彩的靈性作品便不斷吸引著一批又一批的擁躉。2019年在紐約古根海姆美術(shù)館(Guggenheim)展出的“希爾瑪·阿夫·克林特：未來畫作”(Hilma af Klint: Paintings for the Future)吸引了超過60萬名觀眾，成為該館60年歷史上參觀人數(shù)最多的展覽。
希爾瑪·阿芙·克林特作品
2021年6月12日至9月19日，“希爾瑪·阿夫·克林特：秘密畫作”(Hilma af Klint: The Secret Paintings）在新南威爾士美術(shù)館（Art Gallery of New South Wales）展出，呈現(xiàn)了藝術(shù)家的核心系列畫作、早期實(shí)驗(yàn)性繪畫、大量抽象水彩畫，以及她的筆記本等，帶領(lǐng)參觀者了解這位20世紀(jì)瑞典抽象藝術(shù)的先鋒人物。這也是亞太地區(qū)首次為希爾瑪·阿夫·克林特舉辦個(gè)展。
Hilma af Klint Group IX/UW, The Dove No. 2,1915
Hilma af Klint The Ten Largest, Group IV, No. 5, Adulthood,1907
瓊·米切爾
瓊·米切爾（Joan Mitchell，1925年2月12日—1992年10月30日）在她40多年的職業(yè)生涯中建立了獨(dú)特的視覺詞匯，她是美國(guó)“第二代”抽象表現(xiàn)主義畫家和版畫家，她對(duì)傳統(tǒng)圖形與背景的關(guān)系，以及對(duì)色彩聯(lián)覺的運(yùn)用進(jìn)行了極具創(chuàng)造力的全新演繹，使得她在同輩的藝術(shù)家中獨(dú)樹一幟。
《藍(lán)莓》瓊·米切爾 1969
《無題》瓊·米切爾 201cm × 186cm 1971
在米切爾的畫作中，常常伴隨著詩(shī)性的啟示，那是一種不可重復(fù)的瞬間的記憶，不論是風(fēng)景還是靜物，都以抽象的形式消融在了她那有強(qiáng)力的涂繪中，仿佛圖像是從她的身體里抽出的，并被完全轉(zhuǎn)化成一種純粹的感受性書寫與思辨。
米切爾作品中直觀的結(jié)構(gòu)和充滿情感的構(gòu)圖不斷地喚起個(gè)人、觀察、地點(diǎn)和時(shí)間點(diǎn)地聯(lián)想。她作品中常展現(xiàn)與樹木、花朵和水有關(guān)的元素。
《無題》 1959年 瓊·米切爾 來源 Lévy Gorvy畫廊
2021 年 9 月 4 日至 2022 年 1 月 17 日，美國(guó)舊金山現(xiàn)代藝術(shù)博物館舉辦了瓊·米切爾的大型回顧展，共展出80多件米切爾創(chuàng)作的代表作品。其中包括大量罕見的早期繪畫和素描，這些繪畫和素描奠定了米切爾的職業(yè)生涯；以及她晚年的大尺幅繪畫等，同時(shí)也展出了精選的藝術(shù)家信件和照片等文獻(xiàn)資料，為了解米切爾極具影響力和突破性的創(chuàng)作實(shí)踐打開了一扇新的窗口。
《無題》 1959年 瓊·米切爾 油彩 1965
《Parasol》 瓊·米切爾
路易絲·布爾喬亞
2022年2月9日至5月15日，路易絲·布爾喬亞（Louise Bourgeois）的展覽"編織的孩子"（The Woven Child）在倫敦海沃德美術(shù)館（Hayward Gallery）展出。展覽呈現(xiàn)了藝術(shù)家用不同類型的紡織品制作的多件紡織作品，也是她藝術(shù)生涯最后二十年的相關(guān)創(chuàng)作脈絡(luò)的展現(xiàn)，包含床單、手帕、掛毯等織品，傳遞藝術(shù)家對(duì)于身份、創(chuàng)傷、記憶等主題的一貫核心。
路易絲·布爾喬亞，《蜘蛛》，1997年
路易絲·布爾喬亞（Louise Bourgeois）1911年生于法國(guó)巴黎，25歲時(shí)開始專注于藝術(shù)創(chuàng)作，她以接近于超現(xiàn)實(shí)主義的方式進(jìn)行繪畫和版畫創(chuàng)作，后來又開始嘗試雕塑。布爾喬亞創(chuàng)造力的真正爆發(fā)還是在70歲以后。她大膽嘗試橡膠、石膏等新材料，并恰到好處地將行為、裝置等形式融入自己的藝術(shù)。
路易絲·布爾喬亞《Cell》系列
布爾喬亞的市場(chǎng)在1982年她的首個(gè)MoMA回顧展之后，才迎來了真正的起飛，使布爾喬亞可以開始創(chuàng)作她標(biāo)志性的大型青銅雕塑，如大型的蜘蛛雕塑等。一般人對(duì)布爾喬亞印象最深的記憶，莫過于她那大型蜘蛛，布爾喬亞說她最好的朋友是她母親，母親就像蜘蛛一樣聰明，耐心，靈巧，她也懂得保護(hù)自己。她從母親身上抓取一些特質(zhì)，然后創(chuàng)作大蜘蛛。
“細(xì)胞”和“蜘蛛”，路易斯·布爾喬亞
路易絲·布爾喬亞作品
很少有人到90歲時(shí)，還能像波爾喬亞一樣保持如此旺盛的創(chuàng)造力，在雕塑、繪畫、寫作等方面均有建樹。她自己寫了這樣一句話:"人越老越聰明"。2010年5月31日在她居住的紐約曼哈頓因心臟病去世，享年98歲。
路易絲·布爾喬亞 作品
瑪琳·杜馬斯
瑪琳·杜馬斯（Marlene Dumas）
2022年3月27日，位于意大利威尼斯的格拉西宮（Palazzo Grassi）將為瑪琳·杜馬斯（Marlene Dumas）舉辦大型的個(gè)人專題展覽，作為專門為當(dāng)代重要的藝術(shù)家舉辦的專題展覽的一部分，該系列展覽最初于2012年啟動(dòng)，與皮諾收藏專題展覽交替進(jìn)行。
瑪琳·杜馬斯作品
展覽名為 “open-end”，由卡羅琳·布爾喬亞與瑪琳·杜馬合作策劃。展覽將匯集杜馬斯創(chuàng)作的100多件作品，并專注于她的整個(gè)創(chuàng)作脈絡(luò)的梳理，除了1984年至今創(chuàng)作的重要的架上繪畫作品之外，還將展出藝術(shù)家近期創(chuàng)作的多件架上作品，及素描和草圖文獻(xiàn)等。
瑪琳·杜馬斯作品
瑪琳·杜馬斯（Marlene Dumas）被認(rèn)為是當(dāng)代藝術(shù)界最具影響力的藝術(shù)家之一。她1953年出生于南非開普敦。在殘酷的種族隔離制度下長(zhǎng)大并學(xué)習(xí)美術(shù)。1976年，杜馬斯來到歐洲學(xué)習(xí)深造，并在阿姆斯特丹定居，至今仍在那里生活和工作。
瑪琳·杜馬斯作品
杜馬斯經(jīng)常會(huì)用女性、兒童或者嬰兒作為她的作品的對(duì)象，女性之美與藝術(shù)則是她的作品中永恒的主題。杜馬斯早期的作品，常常將剪切過的圖片和文字粗糙地拼貼在一起，探索影像與拼貼畫及文字之間的關(guān)系。1984年，她從概念研究轉(zhuǎn)向傳統(tǒng)人物畫的創(chuàng)作。從此，杜馬斯真正開始了她多產(chǎn)的職業(yè)創(chuàng)作生涯，并創(chuàng)作出著名的肖像、裸體油畫和水彩畫等系列作品。曾有評(píng)論稱，杜馬斯的作品是將色情的愉悅與概念主義批判相結(jié)合的產(chǎn)物。
瑪琳·杜馬斯作品
作為最著名的當(dāng)代女性藝術(shù)家之一，杜馬斯不是簡(jiǎn)單地描畫生活，而是將繪畫作為自己研究歷史的方式。她經(jīng)常用女性、兒童或者嬰兒、有色人種及性欲的場(chǎng)景作為描繪對(duì)象，繪畫語言也極具個(gè)人特色，包括粗重的線條、中性的色彩、極少的修飾等，并以此來破壞圖像基本的敘事功能，剝下圖像美好的外衣，挑起了人們的困惑和恐懼，從而凸現(xiàn)了一種自我的符號(hào)性。
瑪琳·杜馬斯作品
杜馬斯的作品主題形象很多來源于自己拍攝的照片或新聞圖片等，她曾說：“我是一個(gè)使用二手圖像和第一手情感的藝術(shù)家。”但她始終認(rèn)為，攝影只是畫家的一種輔助手段。所以在她的作品中人們不會(huì)看到孤獨(dú)冷漠的模特，看到的是一張張扭曲變形、充滿深意的面孔。她用影像復(fù)制出現(xiàn)實(shí)世界的表象，其最終指向的卻是人們的內(nèi)心世界。
蘇菲·陶柏-阿爾普
2021年的11月至2022年3月，一場(chǎng)名為“蘇菲·陶柏-阿爾普：有生命的抽象”（Sophie Taeuber-Arp：Living Abstraction）的展覽在紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館拉開帷幕。蘇菲·陶柏-阿爾普（Sophie Taeuber-Arp，1889-1943），這位被印在瑞士紙幣上的神秘藝術(shù)家，一度被丈夫的光環(huán)所掩蓋，如今重新出現(xiàn)在大眾面前，而這一次，她僅僅是作為自己的蘇菲·陶柏-阿爾普。
蘇菲·陶柏-阿爾普（Sophie Taeuber-Arp） ，瑞士，1925年8月
陶柏- 阿爾普是蘇黎世達(dá)達(dá)宣言（Zurich Dada Manifesto）的簽署人之一，伴隨著對(duì)烏托邦的渴望、沖動(dòng)與承諾，她將達(dá)達(dá)的思想運(yùn)用到廣泛的形式中，她參與編輯雜志、室內(nèi)設(shè)計(jì)、制作木偶以及神秘的達(dá)達(dá)主義物品，同時(shí)還創(chuàng)作刺繡、繪畫與雕塑作品，她將傳統(tǒng)工藝與現(xiàn)代主義中的抽象語匯相結(jié)合，她的創(chuàng)作打破了藝術(shù)類型和形式之間靜態(tài)、人為的界限，而這種解放帶來的創(chuàng)造性又成為她慶祝自由的方法；她在實(shí)踐中挑戰(zhàn)了藝術(shù)和社會(huì)中的傳統(tǒng)規(guī)范并質(zhì)疑性別、階級(jí)和民族的某些固定觀念；她還探索了藝術(shù)與表演的關(guān)系，她將達(dá)達(dá)抽象的思想與舞蹈和木偶相結(jié)合，用面具和服裝表達(dá)并突出了存在于舞者和舞蹈之間的某種割裂。
蘇菲·陶柏-阿爾普，法國(guó)斯特拉斯堡 黎明宮 茶室設(shè)計(jì)圖稿，1927
1910年，陶柏-阿爾普進(jìn)入德布希茨美術(shù)與應(yīng)用藝術(shù)學(xué)校（Debschitz School for Fine and Applied Art）學(xué)習(xí)，這段學(xué)習(xí)經(jīng)歷為她未來的創(chuàng)作奠定了基礎(chǔ)。四年之后，她回到了蘇黎世，開始接觸魯?shù)婪颉ゑT·拉班的藝術(shù)運(yùn)動(dòng)學(xué)派（Rudolf von Laban's School of Art Movement），加上之前紡織設(shè)計(jì)和立體主義訓(xùn)練的影響，她開始了繪畫和雕塑的創(chuàng)作以及現(xiàn)代舞的研究。1915年11月，在蘇黎世的坦納畫廊（Galerie Tanner）舉辦的“現(xiàn)代掛毯、刺繡、繪畫和素描”（Modern tapestries, Embroidery,Paintings and Drawings）展覽期間，她第一次見到了讓·阿爾普（Jean Arp，1886-1966）。
第一次世界大戰(zhàn)期間，讓·阿爾普、特里斯坦·扎拉（Tristan Tzara）和馬塞爾·揚(yáng)科（Marcel Janco）等流亡瑞士蘇黎世的藝術(shù)家們?cè)诜鼱柼┚频辏–abaret Voltaire）相識(shí)，并一起開創(chuàng)了達(dá)達(dá)主義運(yùn)動(dòng)，這群達(dá)達(dá)主義者們受到戰(zhàn)爭(zhēng)的啟發(fā)，用藝術(shù)嘲笑、批評(píng)了現(xiàn)代世界的荒誕與無意義。1917年，達(dá)達(dá)畫廊（Galerie Dada）開幕時(shí)，陶柏-阿爾普表演了現(xiàn)代主義舞蹈，同一年，兩人相愛了。
蘇菲·陶柏-阿爾普，《斜線與小透明圓的組合》，1916-18，拍攝：Mick Vincenz
陶柏-阿爾普在33歲那年嫁給了讓·阿爾普，根據(jù)瑞士的習(xí)俗，婚后她用了一個(gè)連字符的雙姓，從那時(shí)起，她開始使用“阿爾普-陶柏（Arp-Taeuber）”這個(gè)名字，到了20世紀(jì)30年代，“陶柏- 阿爾普（Taeuber-Arp）”逐漸成為了她的藝名。
第一次世界大戰(zhàn)后，這對(duì)夫婦的許多朋友都搬到了巴黎，當(dāng)時(shí)的巴黎是前衛(wèi)藝術(shù)的中心，1928年，他們搬到了巴黎以南約5英里的默東（Meudon），直到1940年，他們一直生活在那里。1942年底，這對(duì)夫婦回到蘇黎世，他們計(jì)劃前往美國(guó)，可是新旅程尚未開始，一場(chǎng)可怕的意外突然降臨了。1943年，因煤氣爐損壞導(dǎo)致的一氧化碳泄漏，陶柏-阿爾普在睡夢(mèng)中再也沒有醒來。
來不及嘆息，一個(gè)如此美奇妙的生命就此戛然而止，更令人惋惜的是在她有生之年，陶柏-阿爾普從未舉辦過個(gè)人展覽，她的第一次回顧展于1954年在伯爾尼藝術(shù)博物館（Kunstmuseum Bern）舉辦，但在那次展覽中，她豐富的應(yīng)用藝術(shù)實(shí)踐幾乎被忽略了。在后世的傳播中，陶柏-阿爾普被廣泛地認(rèn)知為抽象主義畫家、雕塑家，但這樣的描述卻掩蓋了她貫穿一生的藝術(shù)創(chuàng)作的核心，那些被忽視的充滿活力的跨領(lǐng)域的作品。
蘇菲·陶柏-阿爾普，達(dá)達(dá)頭像，1920
回顧陶柏-阿爾普的藝術(shù)創(chuàng)作，不難發(fā)現(xiàn)她對(duì)20世紀(jì)60年代女性主義藝術(shù)的影響，隨著女權(quán)主義的第二次浪潮，1977年，她的應(yīng)用藝術(shù)和設(shè)計(jì)作品在瑞士的溫特圖爾（Winterthur, Switzerland）和法國(guó)的斯特拉斯堡（Strasbourg, France.）舉行的大型展覽上展出，同年，紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館為其舉辦了一個(gè)小型展覽，展出的作品包括來自1918年的木偶劇《國(guó)王的雄鹿》（King Stag）中的五個(gè)牽線木偶，四件紡織品，三幅充滿幻想的服裝設(shè)計(jì)圖紙，以及三件創(chuàng)作于1928年為法國(guó)斯特拉斯堡（Strasbourg）黎明宮（Aubette）設(shè)計(jì)的建筑空間作品，而在《有生命的抽象》這場(chǎng)展覽中，以上作品再次出現(xiàn)，交疊的歷史空間使觀眾有了更多的遐想。
蘇菲·陶柏-阿爾普 ，《鹿王》中的守衛(wèi)木偶，1918
2006年與2012年，陶柏-阿爾普的作品曾在紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館由莉亞·迪克曼（Leah Dickerman）組織的兩場(chǎng)大型主題展覽“達(dá)達(dá)”(Dada)和“抽象的發(fā)明”(Inventing Abstraction)中得到了突出的展示，那些展覽集中展出了陶柏-阿爾普在1916年至1920年間創(chuàng)作的作品。相比之前的策展重心，“有生命的抽象”旨在全面考察托陶柏-阿爾普的職業(yè)生涯，展出的作品包括從她1914年搬到蘇黎世后不久創(chuàng)作的作品，一直到她去世前幾個(gè)月在二戰(zhàn)期間創(chuàng)作的作品。尤其在這次展覽中，策展團(tuán)隊(duì)有意排除了讓·阿爾普在她死后創(chuàng)作的被稱為“二人組”（duo-dessin）的繪畫和拼貼畫系列，以及他在二戰(zhàn)后對(duì)她作品的各種“再創(chuàng)作”，他們認(rèn)為這樣做并不是要傳遞“她是孤立地工作，或者她與阿普的合作是不重要的”這類偏頗的想法，而是為了把她放在研究的中心位置，這次展覽的精專之處是貫穿陶柏-阿爾普一生的自定義創(chuàng)作。
“有生命的抽象”展覽現(xiàn)場(chǎng) 拍攝：Jonathan Muzikar
時(shí)至今日，陶柏-阿爾普的作品被普遍地認(rèn)為是現(xiàn)代主義和達(dá)達(dá)主義故事的一部分，她的藝術(shù)既與她的時(shí)代相關(guān)，也與我們的時(shí)代相關(guān)，因?yàn)樗淖髌纷屓丝梢杂靡环N更加開放和生產(chǎn)性的方式來思考現(xiàn)代藝術(shù)史，與此同時(shí)，“有生命的抽象”與身體、應(yīng)用藝術(shù)、建筑空間以及它所處的政治、社會(huì)和文化環(huán)境相呼應(yīng)，它們作為一種人類意識(shí)的寫照被記錄保存了下來，由此人們也看到了一個(gè)穿透時(shí)間的陶柏-阿爾普。1922年，陶柏-阿爾普曾寫下這樣一段話：“只有當(dāng)我們深入自己，完全忠于自己，我們才能成功地創(chuàng)造出有價(jià)值的東西，有生命的東西，并以這種方式發(fā)展出一種適合我們的新風(fēng)格。”100年后的這場(chǎng)展覽也許就證明了她對(duì)藝術(shù)的思考，這一刻，生命進(jìn)入抽象的永生，陶柏-阿爾普沒有被遺忘。
（本文根據(jù)“99藝術(shù)網(wǎng)”“藝術(shù)與設(shè)計(jì)”公眾號(hào)等相關(guān)報(bào)道整理）
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